GRAMOEorges Seurat tenía ojos de caleidoscopio. Vio en colores ilimitados, que enjambre y burbujean en sus lienzos en galaxias de pequeños puntos. Elegir sujetos al azar y estériles: un puerto vacío, una roca, encontró una maravilla interminable en la realidad más banal. En su pintura de 1888 Port-en-Bessin, un domingoMyriad Blues y Whites crean un cielo nebuloso y agua de reflejo, mientras que una barandilla en primer plano explota en púrpura, marrón y naranja como si tuviera una enfermedad espeluznante. Seurat solo vivió hasta los 31 años, pero inspiró un movimiento de arte completo, los neoimpresionistas, que copiaron su método «puntillista».
Sin embargo, en un enfoque de grano grueso para este estilo de arte de grano fino, la Galería Nacional lucha por contar una historia diferente. Los neoimpresionistas no solo pintaban puntos, soñaban con la revolución. Y por cierto, no debemos llamarlos por el apodo evocador «Pointillist» porque no les gustó.
Puede entender por qué la Galería Nacional podría mucho tiempo para sacudir nuestras percepciones del arte del siglo XIX. Este fue un momento de sorprendente experimentación, especialmente en el lugar de nacimiento de Seurat, cuando los artistas estaban repensando cómo vemos, lo que facilita a Matisse y Picasso dar el paso final hacia el modernismo en el siglo XX. Sin embargo, ¿quién no encuentra impresionismo y sus consecuencias relajantes, encantadoras, fundamentalmente felices? Aquí estamos invitados a ver el puño de hierro bajo la luz de la tarde de terciopelo, morder la granada en la caja de chocolate. Como resultado, el sublime a menudo se convierte en lo ridículo.
Un sorteo de Paul Signac, el primer discípulo de Seurat, muestra lo que la leyenda llama «gente común» que disfruta de «descanso, armonía social y las generos de la naturaleza». Un hombre alcanza un poco de fruto mientras una mujer cuelga una cereza o una uva para un niño. Creo que la palabra que estamos buscando aquí es «picnic». No dudo de la política radical de Signac cuando hizo este diseño para un mural llamado en el momento de la armonía, pero no están presentes, artísticamente. Signac vivió mucho más que Seurat y en 1904 era, como cualquier buen anarquista, que residía en Saint Tropez. Henri Matisse se quedó con él allí y ese año, bajo la influencia de Signac, pintó la última obra maestra puntillista, su manifiesto para puro placer lujoso, Calme et Volupté. Ojalá estuviera aquí.
Al no haber demostrado probar que los neoimpresionistas estaban a punto de derribar la Tercera República con puntos, la exposición avanza para afirmar que desafiaron la idea de que «un retrato debería capturar una semejanza específica». No, no lo hicieron. La mayoría de los retratos aquí son altamente convencionales bajo una fina chapa puntillista.
Este es el problema cuando basa una exposición en una sola colección. La mayor parte de esta exposición proviene de la Museo Kröller-Müller En los Países Bajos, fundada por el coleccionista de arte de principios del siglo XX, Helene Kröller-Müller. Era una seria, quizás melancólica del norte de Europa cuyo verdadero amor era Van Gogh: su museo tiene más de 90 pinturas de él. Kröller-Müller ve a los puntillistas a través de una lente del norte, con una mente romántica tardía conmovida por la espiritualidad y la introspección. Combine esto con curado con cara de po y la diversión de este movimiento de arte casi está apagado.
En la Francia del siglo XIX fue el placer, no el dolor interno, que fue valorado. El mundo moderno se veía brillante, audaz, alegre. Y aquí está. En el corazón de este espectáculo, Seurat quita sus imitadores con su visión alucinante, la joya de las pinturas neoimpresionistas de Kröller-Müller, su pintura realista pero completamente fantástica de 1889-90 Le Chahut.
Una fila de bailarines, al lado, están realizando una canica salvaje pero disciplinada, las piernas en lo alto del cielo en una línea regimentada, mientras la orquesta juega debajo de ellos y un hombre caricaturizado con una cara como una chuleta de cerdo mira las faldas de las mujeres. Los bailarines también son caricaturizados, las mujeres autoselacionadas y los hombres que se alternan con ellas en la línea. Es una pintura en la que debes sonreír y deslumbrar. Los colores de Seurat confunden. La parte posterior de un bajista es un brillo pulsante de púrpuras, las medias rojas de los bailarines tienen un brillo puntillista similar, la pared del teatro Cabaret vibra con puntos dorados y azules.
La diferencia entre Seurat y sus imitadores es que su visión es totalmente abarcadora: no hay formas en su arte que no estén completamente definidas por pequeños puntos de luz. Eso significa que todo el voyeurismo de piel, falda y lobbering se baña en un brillo graso degrascos de ensueño. Es, en todos los sentidos, Dotty.
Seurat ve algo cómico pero muy moderno en esto. Los bailarines se mueven como máquinas bien engrasadas: parecen inconscientes, los movimientos son tan rituales y arraigados. Los músicos también están en automáticos, perdidos en la locura de la música. Seurat aquí anticipa a Duchamp y Picabia, que equipararían el sexo y la maquinaria a principios del siglo XX. Él está por delante de todos, exponiendo la naturaleza fabricada de la «realidad» que creemos que vemos, y dándole una dimensión social cuando pinta a las personas como muñecas mecánicas.
París es una gran máquina, hermosa pero despiadada. Oh, espera. Eso en realidad es bastante radical.
